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hier à 20:23, mis à jour il y a 1 heure

FIGAROVOX/TRIBUNA – Le réalisateur Ruben Östlund a remporté cette année la Palme d’or à Cannes pour No Filter. « La presse de gauche méprise son cynisme, la presse de droite déteste ses accents marxistes, son film passionne tout le monde », en est convaincue Marguerite Frison-Roche.

Marguerite Frison-Roche est responsable culturelle, diplômée de Sciences Po et de l’Académie La Scala de Milan.

L’enregistrement de l’inconfort est la spécialité de R. Östlund. Les scènes d’embarras semblent interminables et obligent le spectateur à regarder les gens s’emmêler dans leurs propres contradictions. En effet, le cinéaste présente les personnages dans un rôle qui leur est assigné par la société, ou dont ils jouissent, et laisse soudain émerger leurs croyances enfouies, leurs réflexes de classe et leurs émotions. Il en résulte des tensions morales et des points de vue contradictoires, que chaque personnage tente de dissimuler en recourant à la mauvaise foi, au mensonge et à l’hypocrisie. Dans le fond de la pièce, le spectateur peut souvent reconnaître sa propre lâcheté. Pour être le plus réaliste possible, R. Östlund s’inspire de ce qu’il a vécu : « Je fais une introspection sur ma propre morale, mon propre sens de l’éthique, mon propre comportement ; c’est là que l’art devient intéressant, à mon avis ». Certains thèmes reviennent : les relations amoureuses à l’épreuve de l’individualisme, le narcissisme dû à une obsession de la communication et de l’apparence, et enfin la soif d’argent à l’origine des grands combats pour l’égalité, l’écologie et l’art. « J’essaie de remettre en question la boussole morale et éthique que chacun de nous possède, de créer un dilemme qui peut nous faire perdre soudainement nos repères », confie le réalisateur. Dans Force Majeure, un couple en vacances au ski est séparé lorsqu’une avalanche inoffensive révèle qu’un père terrifié préfère cacher que protéger sa famille.

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Kvadrat – la première Palme d’or du réalisateur – met en scène l’équipe d’un musée d’art contemporain utilisant cyniquement une vidéo violente pour promouvoir une exposition sur la bienveillance, valorisant ainsi l’institution. Sans Filtre – la deuxième Palme d’Or – met en scène un capitaine de yacht de luxe prônant le marxisme, ou encore un directeur de casting prônant la mode d’intérieur tout en sélectionnant des modèles en fonction de leur silhouette.

Les trames statiques présentes dans tous les films de R. Östlund permettent de se concentrer sur des dialogues ou des sons parasites. Cependant, la musique peut éclater brièvement pour transformer la gêne en tension.

Premier réalisateur de films sur les compétitions de ski – ce qui a déterminé sa méthode de travail – R. Östlund a étudié le cinéma en Suède, dans une école concurrente de l’école des héritiers de Bergman. Il se forge son propre style : un éclairage pointu sur la situation sans tomber dans le voyeurisme. Embarrassé, le spectateur ne peut détourner le regard pour échapper à une situation de plus en plus inquiétante sans que cela devienne finalement insupportable. La scène suscite d’autant plus d’inconfort que le premier témoin, souvent issu d’un milieu populaire, ne jure que par accident ou par besoin de gagner de l’argent ; la situation semble alors futile ou soudain choquante sans résoudre le malaise du spectateur. D’un film à l’autre, sans-abris, serveurs ou femmes de ménage assistent aux épisodes les plus troublants de l’intrigue. Pour décrire de telles situations, une image est plus efficace que des mots ou de la musique. R. Östlund utilise ainsi un plan séquentiel – sans montage, coupure, fondu ou renversement – qui accentue le réalisme de la séquence en donnant au spectateur l’impression d’être le témoin direct de la scène. C’est le cas de Play – l’un de ses premiers longs métrages, inspiré d’un fait divers à Göteborg – qui met en scène un groupe d’enfants scandinaves soumis au chantage d’adolescents issus de l’immigration. La séquence d’agression dans le tram est alors tournée en cadre fixe comme si le spectateur était dans le train. Gêné au début, il se retrouve dans l’insupportable contrainte de ne pouvoir intervenir. Ces plans fixes, présents dans tous ses films, permettent de se concentrer sur des dialogues ou sur des sons parasites : un cri d’enfant, le bruit d’un clavier, le frottement d’essuie-glaces. Cependant, la musique peut éclater brièvement pour transformer la gêne en tension.

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Les situations cocasses provoquent des rires cathartiques, mais en même temps invitent à la réflexion : c’est une merveilleuse illustration du « plaire et enseigner » d’Horace. Les artistes dépeignent des gestes universels dans la singularité d’une époque.

Ce dernier atteint son paroxysme lors d’une scène qui semble être la signature du réalisateur dans ces quatre films. C’est une sorte de court métrage qui résume la problématique du film lui-même. Dans le jeu Play, les extorqueurs eux-mêmes sont alors attaqués ; en cas de force majeure, c’est le moment où les skieurs reviennent sur la terrasse, gênés parce qu’ils ont eu peur d’une avalanche anodine ; dans Sans Filtre, c’est le moment où le mal de mer frappe les passagers d’une croisière de luxe lors d’un dîner gastronomique ; à Kvadrat, c’est le moment où l’artiste performe en se faisant passer pour un singe puis s’en prend à plusieurs invités sous les yeux choqués d’invités qui ne discernent pas la ligne qui sépare l’œuvre de la réalité.

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